文章导读:
歌剧与音乐剧有什么区别？如题 谢谢了
1、文化背景
歌剧产生于意大利文艺复兴运动前后，它以复兴古罗马、古希腊文化为标榜，以反对宗教思想、提倡人的个性解放的“人文主义”思想为核心，赞扬对生活的热爱、歌颂人与人间纯真的爱情。
而音乐剧则从商业的角度出发，最初是市民文化中产生。因而，从文化品质上，歌剧属于古典文化范畴，而音乐剧则属于大众文化范畴。
2、艺术构成
歌剧以声乐为主，以舞蹈及其表演为辅。歌剧中的声乐艺术属于“美声唱法”，主要是指起源于17和18世纪的意大利，强调自如、纯净、平稳的发声。声乐是歌剧中的重头戏，主要由咏叹调和宣叙调组成，由宣叙调展开剧情，咏叹调抒发情感。
而音乐剧则是载歌载舞、歌舞并重。其中声乐属于现代流行音乐范畴，被称为通俗唱法，它往往需要演唱者手持话筒进行演唱，它以嗓音自然质朴、亲切时尚为特点。音乐剧音乐部分歌曲与舞曲之间的交替与歌剧由宣叙调、咏叹调、重唱、合唱形成模式化的结构布局相区别。
扩展资料：
音乐剧和歌剧的联系：
1、歌剧与音乐剧都是一种音乐表现形式，它们都是用音乐来表达情感。歌剧是音乐剧起源的一个重要因素，音乐剧继承和发展了歌剧的元素，它们都含有歌唱这门艺术在里面，它们都要求有舞台布景，表演者和乐队伴奏。可以说音乐剧的音乐形式是歌剧化的，它是古典歌剧艺术的现代传承。
2、西方这一类音乐的发展线路：歌剧——喜歌剧——轻喜歌剧——音乐剧，是由歌剧逐渐发展出今天的音乐剧。从那种咏叹调之类的唱法，变成了今天这样各种各样的唱法。以通俗唱法为主。歌剧魅影是一个很好的体现了歌剧到音乐剧的一部音乐剧。
参考资料：百度百科-歌剧
参考资料：百度百科-音乐剧
音乐剧是怎样的？一个关于校园青春的音乐剧咋弄
你可以看一下音乐剧《名扬四海》，或者从网上查一下我们中戏版本的《名扬四海》。至于音乐剧：
音乐剧是综合艺术，作为一门独具魅力的戏剧样式，已经形成了其独特的风格特征，并在一百多年的发展中，就音乐而言，既有美声又有通俗，既有传统的管弦乐队，又有电声、爵士以及各类混 编乐队；舞蹈语汇也是如此，芭蕾、踢踏、迪斯科、现代舞都可融入其中。音 乐剧中音乐、舞蹈、戏剧表演、舞台美术、灯光、音响等舞台艺术的各个综合环节，构 成了一个完整的艺术整体。在我们观看的几部音乐剧中，几乎所有的剧目都给我们留下 了这种印象。不仅演员的表演、演唱将你深深吸引，而且每个环节都绽放出耀眼的光芒 。音乐剧比传统的舞台剧更具有一种综合美感，它在视觉和听觉上给予观众的冲击力、震撼力和感染力，让人们感受到了音乐剧的无穷魅力。
一． 主题的选择。 他喜欢选择一些具有严肃的社会意义、深刻的思想内涵，能引起人们内心普遍共鸣的主题。因为这样的主题极具戏剧性、冲突性； 二． 整体性。 音乐剧的创作非常讲究整体性。音乐剧讲述的是一个完整的故事，它有完整的故事情节，而音乐是其中贯穿始终的线索。从序曲到幕间音乐直至剧终谢幕的音乐，都需要有体现其整体性的音乐把它们完美的联系起来，一气呵成，使观众产生完美的整体感，而不是一首首毫无关联的歌曲大联唱。 三． 旋律性。 旋律的重要性是不言而喻的，它是歌曲的灵魂。无论是充满矛盾、斗争的场面，还是轻松欢快的喜剧氛围抑或是温柔缠绵的倾诉，都要在作者神奇的笔下妙笔生花。 四．戏剧性。 韦伯非常注重音乐剧题材的选择，这是充分的考虑到音乐剧的另外一个要素：戏剧性。音乐的写作对于表现剧情的戏剧性矛盾冲突有着天然的优势，当剧情需要表现人物内心激烈复杂的情感斗争而又不能通过言语或肢体来传达时，音乐就承担了这个任务。在《猫》中，当衣衫褴褛的格里泽贝拉动情的唱出“回忆”（Memroy）时，那经典的旋律把这只饱受生活摧残，离群多年而又风光不在的老猫的内心世界表达的淋漓尽致，她对美好生活的那份憧憬和盼望回到猫家族中的向往，把整部剧推向了最高潮。每当“回忆”的旋律响起，观众总是抱以热烈的掌声，仿佛自己也成为了杰里科猫的一员，来共同庆祝格里泽贝拉被选中升上九重天获得新生。可见音乐为烘托剧情起到的巨大作用。
五.盈利与投资 （略）
音乐剧理论发展带来的启示
音乐——音乐剧的要素之一 奥斯卡•哈姆斯坦II（Oscar Hammersteing）(音乐剧作家)曾回答：“它是你所能想到的任何元素。其中，只有一个因素是音乐剧绝对包括的——音乐。”的确，音乐是音乐剧的灵魂，没有了音乐，也就没有音乐剧的存在了。将音乐与故事串联起来，开始于吉罗姆•科恩的《演艺船》。《演艺船》打破了以往音乐喜剧的庸俗和歌剧的凝重感，使音乐剧达到了一个崭新的艺术高度，其独特和成功之处在于智慧地溶入了传统的元素，而又不落俗套。它不像通常的音乐喜剧，不合逻辑的故事围绕着歌曲、舞蹈、表演展开，而是用音乐来表达故事，展开情节。科恩在该剧的音乐创作中，一方面使歌曲显得缠绵悱恻，凄楚哀怨，表达了不幸的婚姻和黑人的不平等地位在人们心灵深处所留下的伤痛。另一方面，科恩追求优美的旋律，表现了密西西比河美丽的自然风光以及人们对美好生活的憧憬，剧中著名的歌曲“老人河”就描写了源远流长的密西西比河以及两岸的黑人生活，在表现自然风光的同时，表现了黑人的劳动、生活、受欺压和不满，这首歌在全球至今仍传唱不衰。 在音乐剧《俄克拉荷马》中，为了展现美国西部动荡的俄克拉荷马地区一群拓荒者质朴而狂放的生活经历和爱情故事。理查德•罗杰斯创作了许多极有乡村特色的音乐，有的乐观而充满激情，有的浪漫而充满情趣，有的缠绵而耐人寻味。在“带花边顶篷的四轮马车”的歌声中，主人公邀请劳蕾和他一起去参加一个晚会；“牛仔和农夫”则是一场有着寓意的争斗闹剧。最后，在新婚夫妇的婚礼上一曲“俄克拉荷马”表达了俄克拉荷马民众对家乡的热爱和赞颂，也为男女主人公的婚礼大典增添了喜庆的色彩。 而在被称为“有关生与死的诠释”的《旋转木马》一剧中，理查德•罗杰斯则一改《俄克拉荷马》中的轻松风格，有意识地加强了器乐功能，交响式的主题发展、丰富的和声与配器赋予总谱以更立体复杂的音响，运用这种手段使歌曲结构得以扩展。使其在性质上更像艺术歌曲。这样是为了使《旋转木马》的音乐如其剧情更富哲理性。 在成熟的音乐剧中，音乐不像在影视作品中一样处于陪衬、配角地位，而是上升到主角的地位。直接表达人物的情感，诠释人物的性格。在《演艺船》中，从“老人河”、“遐想”到“情不自禁爱上他”到“我为什么爱上了你”，每首歌曲都是主人公在一定情景下的情感表露，使人物形象更为丰满。在《俄克拉荷马》中，歌曲“人们会说我们在恋爱”表现了两位恋人互相传递、表达他们的爱情；“走出梦境”则表达了劳蕾对爱情的向往与渴望。有的作曲家还巧妙运用歌剧中的宣叙调（朗诵调）来表现人物间的对话、较量、和冲突，取得了用音乐叙事的很好效果。例如《波吉与贝丝》、《西区故事》中都有这种念唱风格。在著名的《窈窕淑女》中，作曲家甚至采用了介乎说白与宣叙调之间的“朗诵风格”作为男主角的音乐表达方式。这种用音乐直接表达人物的语言、情感、性格，虽不如说白清晰明了，却能给观众留下更大的想象空间。
文本——音乐剧的要素之二
音乐剧，属于舞台戏剧样式之一。那么，无论它的综合性有多强，它的基础仍然和其他戏剧样式一样是文本。这里所说的音乐剧文本不是单纯的剧本，而是一个总的台本，包括基本剧情，音乐总谱，歌词，等等。 文本，首要的功能就是要形成一部剧的剧情。按照戏剧艺术最基本的规律，剧情就是要具备时间、地点、人物、事件诸要素，将这些要素构成情节，用以展开冲突、塑造形象，表现一定的人文主题。 美国音乐剧研究专家斯坦利•格林曾说过：“音乐剧最常见的故事是热恋自己雕刻的少女像的皮格马利翁的传说和灰姑娘辛德瑞拉的故事，表现邋遢姑娘变成公主或明星的主题。”轻松、愉快的主题是百老汇音乐剧的一贯风格。活泼、俏皮的音乐配上日常生活中诙谐、有趣的场面，十分吸引人。音乐剧《音乐之声》讲的就是欢乐家庭与浪漫爱情，它的情节线给人感觉并不明显，没有戏剧冲突达到顶点的情感喷涌，没有大的戏剧高潮，就在一段浪漫爱情的发生过程中，加入了许多精彩的家庭生活片段，如女家庭教师教几个孩子唱“哆来咪”；他们一起排木偶剧“孤独的牧羊人”，场面欢快轻松，体现了美国人在日常生活中乐观、开朗的情绪。还有大量的音乐剧作品，如《在城里》、《雨中曲》、《飞燕金枪》、《出水芙蓉》、《窈窕淑女》都是只写日常生活，但写出了人们美好的情感，表达了人们美好的愿望。在充满竞争的现代社会中，复杂的人际关系往往压得人们喘不过气来，轻松的、美好的、纯粹的情感相反能给人们带来一股清新的空气。 然而，随着《演艺船》将一种人文关怀带到音乐剧中，表现美国社会中常见的种族歧视现象开始，音乐剧的题材开始关注社会、关注人。音乐剧《俄克拉荷马》描述了西南部美国现代男女的生活，这部剧作表现了一种美国精神，即自力更生，艰苦奋斗的传统和求实精神。斯大林曾指出：“美国人的求实精神是一种不可遏止的力量，它不知道而且不承认有什么阻碍，它一定要把已经开始的事情进行到底，哪怕是一件不大的事情。”而在整个美国社会，充满一种乐观向上的创业精神的二战时期，此剧与时代精神呼应，描写了一群正直、率真、幽默、奔放、热情的美国人以及他们积极向上的生活。在这个特定的时期，这样的剧情肯定会引起观众情感上的共鸣，这样的音乐剧也必然会取得成功。 音乐剧对《悲惨世界》的再创造之所以获得成功，就在于它对西方人文主题新的诠释。《悲惨世界》是一部以法国大革命为背景，描述饥饿、贫困、爱情的小说，它在法国的影响就好像《红楼梦》在中国的影响一样，可以说是家喻户晓。要将这样一部名著，用百老汇音乐剧表现出来，无疑是一个大胆的尝试。音乐剧《悲惨世界》的英文版本已经是一部新创作的作品了。在制片人麦金托什的精心策划下，该版本大幅拓宽了法文版的格局，不仅情节性增强，还更深刻的传达出雨果原著的精神—悲天悯人的博爱精神。音乐剧《悲惨世界》带来了人类的理想追求：正义、平等和人道主义。永恒的主题往往是艺术品具有永久生命力的一个必要条件。 好故事必须还要用音乐剧的舞台语言演绎出来，要从各个艺术门类的角度加以丰富充实。音乐剧文本与其他戏剧文本的不同之处体现在它还有为音乐创造的歌词上。在音乐剧中，歌词既不同于一般歌曲的歌词，只表达意蕴；也不同于一般的对白，叙述事情、表达感情，而是将两者的融合。在担任叙述故事、表达情感人物的前提下，写出情感的独特性质、独特状态，将感情上升到普通的高度。这样，既实现了叙事传情的功能，又能引起了观众的共鸣，并将感情升华，留给观众想象的空间。在音乐剧中，歌词的这种特征性，被居其宏先生概括为“感情的升腾与聚焦”。例如，著名音乐剧《猫》中的唱段，每只猫都似乎在叙说自己，而人们则分明从中看到了一个世态炎凉、人情冷暖、应有尽有的人类社会。在音乐剧中，歌词还有一个作用就是营造戏剧情境。寥寥几句话，一个生动、活泼的场面就呈现在观众眼前，人物性格、生活情趣尽在其中。
舞蹈——音乐剧的要素之三
舞蹈是音乐剧中不可不提或缺的一个重要的组成部分，它犹如音乐剧的“肌肤”，缺少了舞蹈的音乐剧，不是完美、成熟的音乐剧，这正如早期没有戏剧情节的音乐剧一样。 音乐剧作为一门剧场艺术，对人的“行动”的表达是至关重要的，而音乐剧中的舞蹈就是用来表现“行动”的。尽管舞蹈在音乐剧诞生之初，并没有承担多种角色任务，但随着音乐剧逐渐融合各种形式的舞蹈，其在音乐剧中的地位也越来越重要。最开始白人模仿黑人表演的“明斯特里秀”，使黑人舞蹈进入了百老汇；“拉格泰姆时代”舞厅的增多又使得舞厅舞蹈出现在音乐剧的舞台上；20年代以后，以大腿舞和踢踏舞为主，音乐剧的舞蹈受到美国爵士舞、摇摆舞、踢踏舞、迪斯科等流行舞蹈的影响，也受到了美国芭蕾、现代舞的影响。1927年，《演艺船》里的舞蹈，仍是其中的点缀，然而20世纪40-70年代，舞蹈开始慢慢进入音乐剧的剧情中，并发挥了越来越重的作用。 例如在《接触》这部音乐剧中，苏珊.斯多曼把舞蹈与戏剧有机结合的创作思维以及将舞蹈本体魅力发挥到极至
许多事办得音乐剧的编舞者只注重舞蹈段落的色彩而轻视"剧"的现象屡见不鲜；在进行舞剧创作时避开人物见的矛盾冲突，忽视人物性格的塑造（动作语言的个性创作），不注重人体动作语言叙事功能的开掘，致使人物形象雷同；在"舞蹈长于抒情， 于叙事"的理论依据下，往往忽视舞剧中"剧"的构成，而一味去追求舞美、灯光的色彩效应，追求高投资、大制作的"豪华型"舞剧，造成美丽空壳中内容的虚无等。和以往的编舞不同。音乐剧《接触》呈现出""唯物局的创作特征，这首先与苏珊.斯多曼的个人创作经历密切相关，她是从天才的舞蹈演员逐步成为舞蹈编导--音乐剧舞蹈编导--音乐剧导演兼编舞的，这一创作历程使她在音乐剧导演、编舞方面显示出卓越的创造才能。她认为"舞蹈演员是音乐剧最好的调色板，只有当舞蹈使观众沉浸在情节中时是最令人兴奋的"。正是基于这一创作理念，使得她参与创作的音乐剧都能充分体现舞蹈本性的魅力，并逐步形成了鲜明的创作个性。特别是由她编导、导演和编舞的音乐剧《接触》，充分显示了其用舞蹈来痊释剧情的创作才能，把舞蹈本体魅力展现得淋漓尽致。 音乐剧《接触》是由三个短剧构成的： 第一个短剧"秋千"，讲述一对年轻的贵族夫妇在草地上野餐，一位体魄雄健的男仆摇晃着秋千，随后夫妇两人在晃动着的秋千上欢愉缠绵，葡萄酒喝干了，夫人怂恿丈夫去取酒后，男仆与夫人在高高荡起的秋千上狂欢做爱…… 第二个短剧"你动了吗"？讲述一位性格傲慢粗暴并有着强烈嫉妒心理的丈夫带着软弱柔顺的妻子前来就餐，妻子竭尽全力要讨好丈夫的欢心，但都被粗暴的丈夫严加制止。当丈夫离开后，她竟然做起了白日梦--与餐厅领班、待者起舞狂欢……突然丈夫的一声"你动了吗?把她从梦幻中惊醒,被迫回到生活常态,但女主人公的内心却愈加痛苦不堪…… 第三个短剧"接触"，讲述一位成功的广告家迈克.威利获奖后,空虚寂寞的他精神恍惚企图自杀,但未遂..当他坐在酒吧狂欢时,发现一位真着黄色衣裙的美丽女郎出现了,诸多的舞者与她共舞.迈克几经忧郁、彷徨终于走向女郎，与她慢慢地共舞了起来，在她的调教下，迈克的舞姿从笨拙、忸怩逐渐变得协调、奔放起来…… 苏珊.斯多曼在《接触》的创作过程中始终贯穿这样的追求，以"剧"为基础展现舞蹈本体的魅力，在这一追求的引导下，使"舞蹈"成为了剧情结构不可缺少的组成部分，同时又使"舞蹈"成为了叙述剧情的主要形式。如果没有了舞蹈，剧情无法成立，同时也无从展现。运用人体语言进行舞蹈创作，同时把舞蹈与戏剧有机结合。用芭蕾、爵士、摇摆等不同的舞蹈语言，创作出三种有意义发舞蹈形式来表现不同的剧中人物，来叙述、展现"秋千"中主仆三人的物理"接触"；"你动了吗"里女主人公意识流中与他人的心理"接触"；第三个短剧中男主人公在现实中与黄衣女郎的亦真亦幻的微妙"接触"。把不同生活，心理层面的种种具有哲理意蕴的"接触"叙述得清晰、展现得生动、表现得精美。
舞台美术——音乐剧的要素之四
在舞台美术上，音乐剧注重写实，运用一切手段使观众与剧中人合二为一。为了达到真实的效果，不惜进行大投入、大制作，在《歌剧院的幽灵》一剧中，一个巨大的枝形吊灯从地面拉到顶空，使观众跟着剧中人的思绪在巨大的吊灯下回到了从前；在《西贡小姐》一剧中，为了达到真实的舞台效果，在描写西贡最后的撤退时，甚至让一架直升机从观众的头上缓缓降落到舞台上空，巨大的噪声，将剧情中的混乱、绝望直接传达给了观众，揪人心肺；在音乐剧《猫》中，为了使观众对猫的世界有一个最真切的感受，舞台上的所有空间全部变成一个硕大的垃圾场，观众走进剧场，身边也都是各式各样的巨型垃圾，有牙膏筒、碎碟子、碎卡通等等。剧场的天棚很低，上面还闪烁着无数的星星和猫的眼睛，人就仿佛进入了一个“用真实物品创造出的幻境世界”，人与舞台上的猫几乎是出于同一个空间。 这种舞台剧场布置，很好地将舞台上的演员、灯光、道具等和观众融入到戏剧艺术的整体创造中，给观众以强烈的震撼力。这也是音乐剧得以辉煌的重要原因之一。
关于中国舞台如何制作音乐剧的方案
音乐剧冲击波对走进新时代的中国产生了深刻影响。一批有识之士按捺不住对音乐剧的向往之情，十几年来进行多次创演尝试。中国观众对音乐剧渐渐有了一些了解。不过，客观地说，我国音乐剧创演目前仍处于“学步”和“描红”状态。 思想性与艺术性问题，不难理解，而音乐剧“以娱乐性为第一品格”的问题至今似尚未引起我们足够重视。自诞生的那一天起，音乐剧便毫不掩饰地亮出了“给人娱乐”的大旗。为“给人娱乐”，制作人精心运筹帷幄，凡可用之艺术手段无不巧而用之；为“给人娱乐”，不惜巨资，让高科技登堂入室、大显身手。遍览音乐剧王国的作品，就可发现每一部都打上了鲜明的娱乐性标识。对观众而言，娱乐性有一种不可抗拒的磁力。正因为有这种磁力的吸引，观众才乐意将兜里的钞票“娱乐”给了票房。可以说，没有音乐剧的娱乐性品格，就没有音乐剧的观众，也就没有音乐剧。 事实上，音乐剧并不都是流行歌加踢踏舞加爵士乐，也不是每个演员都得会急口令和翻筋斗。音乐剧中最重要的是以具有戏剧意味的声乐演唱来完成对角色的塑造，演员的音色形象和演唱风格是与角色的身份性格情绪密切关联的，而不是单一的“流行唱法”。音乐剧所使用的音乐语言也并不是“流行音乐”所能一言以蔽之的，而是由戏剧情境、表现意图和作品所处时代之间的平衡来确定的。 一部成功的音乐剧并不是非要有一首象《回忆》和《阿根廷，别为我哭泣》那样能独立于音乐剧母体而“上榜”的流行曲，也不是有了这样的金字招牌就万事大吉了。在《悲惨世界》的音乐构造中，使用了诸如多个音乐主题的并置支撑，音乐材料在场景中的贯穿发展，不同声乐体裁（独唱重唱合唱）的交替对比，音乐情境与戏剧情境的紧密关联，正剧与喜剧因素的调剂配置，还有显然是从莫扎特的歌剧中借来的那种逐层递增的终场结构等音乐戏剧手法。所有这些手法的目的都是为了造就出丝丝入扣引人入胜的音乐戏剧效果。与那种“动听”曲调大串连的结构相比，要复杂和“严肃”得多。 音乐剧的“商业性”并不是将大把的钞票都贴在脸上，也不是满台的金壁辉煌和机关噱头的代名词。《悲惨世界》的演出设备装置需用一架波音运输机来承载，所呈现出来的竟然是一个如此简洁朴实的舞台画面，而这正是这部戏剧作品的艺术表现所要求的，也是高度精致的制作和严密精细的操作的结果。昂贵的票价并不是获得商业利润的唯一途径，更值得重视的是音乐剧整体市场的培育、剧目演出的生命周期在时间和空间上的延伸、衍生产品的开发、以及剧场活动与当地社会生活的互动等。当然，音乐剧的“娱乐性”并不是仅仅体现在舞台上的滑稽效果和观众的哄笑声中。尽管《悲惨世界》中确实有不少这样的元素，但这并不是一部狭义上的喜剧。广义上的“娱乐性”可理解为现场的吸引、震撼与观后的回味思索以及由此达到的“宣泄”和“净化”。这并不是“高雅”、“严肃”艺术的专利，也是自古希腊戏剧以来的许多大众戏剧所追求的境界。 首先，歌舞与戏剧有机的结合。音乐剧是戏剧的一种，但音乐剧在其创立初期却是与当时英美大城市的娱乐场所中的各种歌舞表演（有些还带有色情成份）有着密切关联的。 其次喜剧与悲剧巧妙配合。许多词典上都提到音乐剧也称“音乐喜剧”。确实，早期的音乐剧多冠以musical comedy这个名称。我们现在使用的musical这个词是到1940年代才开始流行的。 中国观众熟悉的许多音乐剧经典如《音乐之声》、《窈窕淑女》、《俄克拉赫马》、《绿野仙踪》、《吻我吧凯特》和《芝加哥》等确实都是喜剧性的，演出时剧院里总是会不时地爆发出欢笑来。但我们同样可以举出许多正剧乃至悲剧题材的音乐剧：《西区故事》、《屋顶上的提琴手》、《悲惨世界》、《巴黎圣母院》、《西贡小姐》……音乐剧重视娱乐功能，但娱乐并不等于“喜剧”、不等于“滑稽”、不等于浅薄无聊弱智，也不等于好莱坞式的感官刺激。琼瑶的电视剧很娱乐，但并不是喜剧。古代希腊人喜欢演戏，悲剧喜剧都很出名。他们把这都称为“娱乐”。当然，“大众娱乐”就是要给大众提供丰富高质的“精神享受”，也不能把大众当白痴。 再者，通俗与经典不分高低贵贱。无论在哪个时代哪个地区，音乐剧总是拥有最广泛的观众。将音乐剧定义为通俗性的大众娱乐形式，是没有问题的。 音乐剧的通俗首先表现在音乐上。音乐剧所采用的音乐语言与20世纪中发展起来的流行音乐有着密切的关联，1960年代后，音乐剧又吸收了新近出现的摇滚乐的音乐语汇，产生了所谓的“摇滚音乐剧”，如韦伯的《耶酥基督超级巨星》等。但我们并不能把音乐剧简单地定义为“用流行音乐语言写成的歌剧”或者是“由流行歌曲串联起来的戏剧”。当代音乐剧作家往往会根据剧情的需要灵活地运用各种音乐语言。如韦伯的《剧院魅影》就比较多地吸收了歌剧的音乐元素，其中的管风琴的音响也非常突出。他的另一部作品《孟买之梦》（Bumbay dreams）也是根据故事的背景而采用了印度民间音乐风格。1990年代中期上演的中国音乐剧《秧歌浪漫曲》中所用的东北大秧歌，不仅歌与舞结合得很出色，并且能通过这种形式表现出丰富的戏剧的内容来。
事实上，现代意义上的音乐剧在中国出现得较晚。80年代的《芳草心》是新时期第一部音乐剧，其中的主题歌《小草》至今仍脍炙人口。90年代中期上演的《秧歌浪漫曲》尽管因为许多方面的不成熟而没有引起相应的反响、但其中仍有一些非常成功的探索值得注意。有专家评论道：当别人还在为如何将好莱坞的“大腿舞”（以发源于爱尔兰的踢踏舞为基础，加上较为夸张的踢腿动作）移植进中国音乐剧而煞费苦心的时候，《秧歌浪漫曲》已经将中国民间舞蹈的戏剧表现性提升至堪与《俄克拉赫马》相媲美的程度。此外，《乐器推销员》、《异想天开》、《西区故事》和《音乐之声》等国外经典剧目的成功引进上演表明我国的音乐剧演出队伍已达到一定的水准。港台地区近年来创演的《雪狼湖》和《天使不夜城》（曾来上海公演）等剧目也受到观众的欢迎。
然而“鲜明的中国风格、特色问题”是国产音乐剧定位的重要命题之一。按照这一命题的要求，在进行原创剧制作时，不仅要把握住这一外来艺术的共性特征，而且必须充分调动中华民族丰富的艺术资源，通过在一、二度创作方面的努力，让作品在编、导、音乐、表演、舞美等方面全方位凸现鲜明的个性即中国风格与特色来。日本音乐剧的演出实践证明，音乐剧在东方国家同样大受欢迎。《猫》剧就曾在日本演出两千多场。上演这个戏的日本四季剧团，不仅靠大量移置西方国家的音乐剧而辉煌，而且自己创作上演的音乐剧《李香兰》也成为了世界公认的重要的音乐剧剧目。
相比之下我们不得不承认，我国的原创音乐剧中或多或少地存在这些毛病，并直接影响着音乐剧的质量，如果要从这些方面来“诊断”的话，笔者还可以补充几症，比如制作不够精细——先天不足症，创作人员生活功底不够厚实——营养不良症等，但是笔者认为，这些都还不是我国音乐剧刚刚起步就走下坡路的主要原因。那么，我国的民族音乐剧到底应该是一种什么样的形式呢？只有把音乐剧这种外来形式与我国的传统戏曲结合起来，才能找到民族音乐剧的形式，从而走出一条振兴中国戏剧的新路来。曲的这种形式特征与音乐剧这种“集音乐、舞蹈、戏剧表演于一身的现代舞台剧”的形式特征基本相同。其实，每一个戏曲剧种产生之初就是音乐剧。它们的音乐来自民间流行的山歌小调，它们的舞蹈来自时兴的民间舞蹈，这与音乐剧以流行歌舞演故事如出一辙。戏曲与音乐剧这种在形式上的基本近似提供了它们相互结合的可能。 然而，戏曲毕竟不是音乐剧。戏曲与音乐剧的不同在于它是写意的，而音乐剧是写实的。并且程式化了的戏曲的音乐舞蹈都已经与时代相去甚远，因此，现代人与它产生了距离和隔膜，使人非得带上一种欣赏文物的眼光才能够走近它；同时，程式化的瓶子太小，现代五花八门的生活内容无法装进去，这就使得它在内容上也无法吸引现代人的目光。这就是戏曲为什么会逐渐衰落、中国戏剧一直景气不起来的重要原因。这也是它与音乐剧结合的最大障碍。好在音乐剧不拘一格，没有任何程式可言，只要打破了戏曲的程式，就能建立起我国的民族音乐剧来。要让音乐剧与戏曲相结合，就必须用从现代生活中生发出来的形式和内涵来替代戏曲中那些过时的东西。民族化并不是守旧，并不是让传统一成不变，而是“拿来主义”，用人家好的东西来改造和替换自己不好的东西。作为一个正在走向现代化的民族，我们的音乐剧与戏曲的结合应该也能够“取其精华，去其糟粕”，以“现代”取代“传统”。
此外，音乐剧要求演员不仅具有戏剧表演的功底，而且具有歌唱、舞蹈的才能。在培养音乐剧演员方面我们不妨借鉴国外的培训方法和体系。美国百老汇设有专门的演员培训机构，人才储备非常充足。而我国由于音乐剧刚起步，演员培养工作上马仓促，数量、质量都不敷需要，所以培养工作日益重要。不妨考虑以市歌舞团为班底，精心挑选一批身材、嗓音条件俱佳，艺术潜质优秀的年轻演员抓紧培养。
音乐剧是什么?
音乐剧到底是什么
音乐剧（Musical theater）是由喜歌剧及轻歌剧（或称“小歌剧”）演变而成的，早期称作“音乐喜剧”，后来简称为“音乐剧”，是19世纪末起源于英国的一种歌剧体裁，是由对白和歌唱相结合而演出的戏剧形式。音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富于幽默情趣和喜剧色彩。它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。音乐剧在全世界各地都有上演，耿演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。因此百老汇音乐剧这个称谓可以指在百老汇地区上演的音乐剧，又往往可是泛指所有近似百老汇风格的音乐剧。
音乐剧（英语：Musical theater，简称 Musicals），又称为歌舞剧，是音乐、歌曲、舞蹈和对白结合的一种戏剧表演，剧中的幽默、讽刺、感伤、爱情、愤怒作为动人的组成部分，与剧情本身通过演员的语言，音乐和动作以及固定的演绎传达给观众。一些著名的音乐剧包括：奥克拉荷马、音乐之声、西区故事、悲惨世界、猫以及歌剧魅影等。
什么叫音乐剧
音乐剧（Musical theater）是由喜歌剧及轻歌剧（或称“小歌剧”）演变而成的，早期称作“音乐喜剧”，后来简称为“音乐剧”，是19世纪末起源于英国的一种歌剧体裁，是由对白和歌唱相结合而演出的戏剧形式。音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富于幽默情趣和喜剧色彩。它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。音乐剧在全世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。因此百老汇音乐剧这个称谓可以指在百老汇地区上演的音乐剧，又往往可是泛指所有近似百老汇风格的音乐剧。
音乐剧是20世纪出现的一门新兴的综合舞台艺术，集歌、舞、剧为一体，广泛地采用了高科技的舞美技术，不断追求视觉效果和听觉效果的完美结合。同时，西方的音乐剧在百年多的商业表演经验中总结出了一套成功的市场运作手段，并且创作出一系列老少皆宜的优秀剧目，使这一艺术形式突破年龄、阶层等客观因素的局限，广受观众的喜爱。随着我国经济的健康快速发展，人民群众对文化娱乐的需求也出现了多元变化，音乐剧这种新的艺术样式很快以其视听兼备、雅俗共赏的特质吸引了一批固定的并且正在不断扩大的受众人群。
音乐剧（英语：Musical theater，简称 Musicals），又称为歌舞剧，是音乐、歌曲、舞蹈和对白结合的一种戏剧表演，剧中的幽默、讽刺、感伤、爱情、愤怒作为动人的组成部分，与剧情本身通过演员的语言，音乐和动作以及固定的演绎传达给观众。一些著名的音乐剧包括：奥克拉荷马、音乐之声、西区故事、悲惨世界、猫以及歌剧魅影等。
什么是话剧,什么是音乐剧,它们有什么区别
话剧指以对话方式为主的戏剧形式，于19世纪末20世纪初来到中国。与传统舞台剧、戏曲相区别，话剧主要叙述手段为演员在台上无伴奏的对白或独白，但可以使用少量音乐、歌唱等。话剧是一门综合性艺术，剧本创作、导演、表演、舞美、灯光、评论缺一不可。中国传统戏剧均不属于话剧，一些西方传统戏剧如古希腊戏剧因为大量使用歌队，也不被认为是严格的话剧。现代西方舞台剧如不注为音乐剧、歌剧等的一般都是话剧。
音乐剧（英语：Musical theater，简称 Musicals），早期译称为歌舞剧，是一种舞台艺术形式，结合了歌唱、对白、表演、舞蹈。通过歌曲、台词、音乐、肢体动作等的紧密结合，把故事情节以及其中所蕴含的情感表现出来。虽然音乐剧和歌剧、舞剧、话剧等舞台表演形式有相似之处，但它的独特之处在于：它对歌曲、对白、肢体动作、表演等等因素给予同样的重视。音乐剧在全世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。
著名的四大音乐剧是什么？
著名的四大音乐剧是《猫》、《西贡小姐》、《歌剧魅影》、《悲惨世界》。
《猫》，是英国作曲家安德鲁·洛伊德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）根据T·S·艾略特（T. S. Eliot）的诗集 《老负鼠讲讲世上的猫》谱曲的音乐歌舞剧。《西贡小姐》是由Claude-Michel Schonberg与Alain Boublil共同创作的一部音乐剧。《剧院魅影》，Phantom of the Opera，是根据法国作家卡斯顿·勒胡（Gaston Leroux）的小说《Le Fantom De L'opera》改编的。《悲惨世界》改自法国作家雨果的著名小说。这四部音乐剧至今都享有盛誉。
《猫》是一部童话式的作品；《悲惨世界》代表着文学钜著改编音乐剧的典范；《歌剧魅影》以美声唱法为主，是“歌剧－轻歌剧－音乐剧”过渡的典范；《西贡小姐》是一部女性为主的爱情悲剧。
音乐剧和舞台剧的区别是什么
音乐剧是包括在舞台剧中，舞台剧有很多种，比如话剧，歌剧，舞剧，音乐剧等。音乐剧是一种以唱歌为主的表演性艺术。它福参杂了很多艺术元素。但是它不像歌剧这样，有一个概念，它是很笼统的，它的唱法是根据观众的口味来定的，想60年代美国音乐剧是爵士类型的，80年代又是美声，如今则是通俗为主。所以音乐剧是一种时尚的艺术。
歌剧和音乐剧的区别是什么
1、歌剧和音乐剧的异同
歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。
音乐剧（Musical theater）是由喜歌剧及轻歌剧（或称“小歌剧”）演变而成的，早期称作“音乐喜剧”，后来简称为“音乐剧”，是19世纪末起源于英国的一种歌剧体裁，是由对白和歌唱相结合而演出的戏剧形式。音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富于幽默情趣和喜剧色彩。它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。音乐剧在全世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。因此百老汇音乐剧这个称谓可以指在百老汇地区上演的音乐剧，又往往可是泛指所有近似百老汇风格的音乐剧。
其次，谈谈二者的区别，即异同
1、音乐剧以流行音乐为主，以古典音乐为辅；歌剧以美声唱法贯穿全剧。
2、歌剧以夸张的咏叹调与宣叙调表示内容，全剧侧重点为心理；音乐剧少了宣叙调和咏叹调，多了无伴奏对白，全剧以内容为中心
3、歌剧强调声乐的技术含量，而音乐剧强调舞台效果。因此，音乐剧比歌剧多了舞蹈的成分。
4、音乐剧内容多以暗调为主，而歌剧永远是高雅、愉悦的。
5、从唱法上，音乐剧有通俗（如摇滚、蓝调、爵士、乡村、RB等）、美声两种唱法，而歌剧绝对只用美声唱法。
6．从时间上来讲音乐剧应该算是歌剧的延续
7、从表演角度上也有很大的不同。
音乐剧表演的自由程度要大大高于歌剧。音乐剧的演唱很多并非独唱，而歌曲更短，更简洁，更容易流唱。 歌剧则靠独唱的咏叹调引领全局。一般来说，咏叹调会伴随着每一次戏剧性的转折将整部戏推向 *** 。
8、音乐剧的音乐形式是歌剧化的，它是古典歌剧艺术的现代传承。是现代音乐戏剧的主流。音乐剧与歌剧在形式上是相同的，它们之间没有明显的断代。与其说音乐剧是一个新的艺术形式，倒不如说音乐剧是传承了歌剧艺术而形成的现代歌舞剧。虽然它具有艺术手法的综合性，但就艺术形式来说它依然独具歌剧的传统
什么是音乐剧?
音乐剧（英语：Musical theater，简称 Musicals），早期译称为歌舞剧，是一种舞台艺术形式，结合了歌唱、对白、表演、舞蹈。通过歌曲、台词、音乐、肢体动作等的紧密结合，把故事情节以及其中所蕴含的情感表现出来。
虽然音乐剧和歌剧、舞剧、话剧等舞台表演形式有相似之处，但它的独特之处在于：它对歌曲、对白、肢体动作、表演等等因素给予同样的重视。音乐剧在全世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。
世界十大经典音乐剧是什么啊?
只知四大音乐剧
1《猫》
《猫》是英国作曲家安德鲁"劳伊德"韦伯的撼世杰作，该剧无与伦比地囊括了1983年百老汇的七项托尼奖，幷包揽了伦敦纽约所有戏剧大奖。该剧曾被授予“世纪音乐剧”的称号，自1981年伦敦首演以来，其间在美、日、法、德等国公演，都造成了前所未有的轰动，往往一票难求，至今仍是纽约百老汇及伦敦最卖座的音乐剧。源于此剧的经典情歌《回忆》（ M emory）早已家喻户晓，堪称音乐剧史上的一部不朽名曲
2〈歌剧魅影〉
安德鲁·洛依德·韦伯(Andrew Lloyd Webber)英国著名音乐剧作曲家。1994年韦伯名列《戏剧周刊》杂志编写的美国戏剧界最有影响力的100人之榜首。在美国和英国以及全世界，任何一个时候，都至少有他的十几个巡回演出团在各大城市演出韦伯的音乐剧。
他为其父写的"安魂曲"和他的"变奏曲"合起来制成的专辑成为销量最大的专辑，以及后来的"首演集"专辑成为三倍白金辑(即销量超过六万百万套)。韦伯的第二个妻子萨拉-布莱特曼演唱的"安魂曲"中的流行单曲，进入英国前10名排行榜。1996年为巴塞罗那奥运会创作会歌"生命之友"。韦伯是改写音乐剧历史的最伟大的音乐家之一。
附：韦伯经典音乐剧：《猫》、《艾薇塔》、《歌剧魅影》
剧情简介：
《歌剧魅影》，Phantom of the Opera，韦伯的经典之作，四大音乐剧之首，被奉为音乐剧的代表。改编于法国作家卡斯顿·勒胡（Gaston Leroux）的小说《Le Fantom De L'opera》。它在当时其实并不是很有名的小说，但是在二十年代，它却成为无声电影和早期恐怖电影的宠儿。即使是中国，解放前也有一部《夜半歌声》是根据此书改编的，可见其影响力之大。本来是一个可怕的故事，韦伯却把Phantom写成了一个有知识有灵魂的，优秀的建筑师、作曲家、魔术师，他的悲剧是爱上了美丽的Christine。与之前的导演相比，韦伯笔下的Phantom多情、邪气、才华横溢又专一，生活在黑暗的另一个世界。
在音乐剧里的Christine既深爱着Raoul，但也被才华横溢的Phantom，以及他所代表的黑暗与神秘，所吸引。这样华丽 *** 的恋情，也许是所有女人的幻想。古老的巴黎歌剧院下面，深得不知多少尺的地底，漆黑水面上的小船，船头上站着的黑披风白面具的神秘客，恐惧和渴望， *** 又浪漫.
《Phantom of the Opera》这首歌了。莎拉.布莱曼的高音和克劳福德华美的中音完美结合，歌者 *** 澎湃，听者波涛汹涌，营造了阴森紧张气氛。另一首是男声独唱《the music of the night》也很经典，克劳福德用低缓的声音慢慢地倾诉著恋爱时心理改变，温柔细腻，伤感期待。
3〈悲惨世界〉
改编自雨果同名文学钜著的经典音乐剧《悲惨世界》，音乐剧《悲惨世界》的始作俑者—法国人阿兰·鲍伯利和米歇尔·勋伯格，都曾是音乐剧的狂热歌迷。1971年，两人在纽约观看了韦伯的音乐剧《万世巨星》，由此萌发出创作一部史诗风格的音乐剧的想法。两人从韦伯的经典音乐剧《万世巨星》和《艾维塔》中汲取了相当多的灵感，令其既有史诗般的壮丽，又不乏流行文化的精华。1978年，鲍伯利和勋伯格在巴黎“奇迹般地”完成了这项宏伟的工程。
1980年秋，长达两个小时的音乐剧《悲惨世界》在巴黎体育馆首演。令人难以置信的是，它竟然被硬插在了拳击和马戏表演之间，并在上演后的第十六周便被迫收场。哀叹之余，曾......
音乐剧和歌剧有什么区别?
音乐剧演员表现剧情的方法是歌唱和舞蹈；
歌剧演员表现剧情的主要方法是歌唱，演员的舞台表演只不过是走过场，形式一下而已。
歌剧必须用美声唱法，通过歌声来讲述故事；
音乐剧随便用什么发声方式，通过肢体+歌声来演绎，有点像电影
歌剧有些“曲高和寡”的意思
音乐剧操作市场化
音乐剧四大名剧
猫(Cat)
歌剧魅影(The Phantom of the Opera)
悲惨世界(Les Miserables)
西贡小姐(Miss Saigon)
还有改编成电影的 比如
雨中曲 音乐之场 芝加哥 红磨坊 西区故事 歌剧魅影 十诫 贝隆夫人 绿野仙踪...
音乐剧属于表演还是音乐系
音乐剧属于表演类的！
音乐剧本身是表演类的，音乐剧不是简单的唱歌跳舞就行了，而是需要通过表演，结合演唱和舞蹈等其他音乐形式来表达人物情感，展现故事线索，所以国外Musical Theatre都是属于Performing Arts（表演艺术）或者Theatre（戏剧）这块的。但是实话说，国内表演，尤其是音乐剧的表演方面懂得的人较少，所以不少学校都是偏科的。北舞这块不太熟悉，不过据了解好像是偏表演类的！
音乐剧可以根据哪些要求进行分类？
音乐剧根据不同的分类标准可以有不同的分类。音乐剧流派的开成和壮大总是与杰出的作曲家和剧作家，尤其是他们的不朽的作品联系在一起的。
科恩、罗杰斯和小哈姆斯坦的古典音乐剧流派、勒纳和洛维的小歌剧流派、桑德海姆和普林斯的“概念音乐剧”流派、韦伯和莱斯的现代流派音乐剧、勋伯格和鲍伯利的史诗流派、吕克·普拉蒙登和理查德·科钱特的浪漫主义流派和方兴未艾的后现代流派音乐剧向世人打造了一个五彩缤纷的音乐剧舞台。
如何做音乐剧演员 如何成为一名音乐剧演员？
1、全才：能唱能跳
演员是舞台的核心。舞台演出中所展示的人情世故和气象万千，无不需要合格的音乐剧演员去倾情演绎。一般观众在欣赏音乐剧作品时，往往对演员能在舞台上又唱又跳又演戏的功力留下很深的印象，同时也为一部作品中歌曲、舞蹈、戏剧等，透过角色结合而流畅拍案叫绝。音乐剧演员如果不具备能歌善舞的才能，就很难在音乐剧舞台上占有一席之地。所以，正确认识自己的长处和弱点有助于消除内心的疑虑，以便更好地发挥所长。伟大的舞蹈演员弗雷德·亚斯当尔曾因为“不能唱”而被排除在百老汇之外。后来他却在好莱坞用自己的舞蹈天赋为歌舞片开创了一片新天地。他的“能舞”成为了歌舞片中永恒的记忆。
2、戏感：完美呈现角色
完美呈现角色，也可以说是戏感。音乐剧演员之所以不同于歌舞晚会或明星演唱会上的歌舞演员，是因为音乐剧“戏剧”至上的特性要求音乐剧表演者最重要的责任是刻画人物、呈现角色。事实上，歌唱和舞蹈、台词和表情的结合等等，都是透过剧中“角色”的穿针引线进行的。除此之外，歌曲对作品和表演者而言也是某种“呼吸”，承载着先前戏剧的情绪，或者深掘角色的内心世界，或者重新开启另一个戏剧场面等等
这种全方位型的演出，其难度是相当高的。百老汇著名舞蹈编导兼导演罗宾斯是将“戏感”处理得最好的编舞和导演。他在指导《西区故事》时，不仅以舞剧的方式处理音乐剧，严格控制每一个细致的动作，启发演员、鼓励演员运用他们的肢体语言，去传达编剧没有写出来的台词、作词者没有写出的歌词，去把那些无声的歌曲“唱给观众听”，而且，他善于运用戏剧导演的手法创作芭蕾，要求舞者去思考每个美丽动作背后的戏剧动机，每个王子公主人性底层的心理变化。
3、 演员的定位
要求音乐剧演员能唱能跳能表演，绝对不意味着每个演员都是万金油，可以胜任任何角色。每部音乐剧的人物个性也不可能千篇一律，必然是人物形象丰富，栩栩如生的。比方，有时候剧中角色需要一个高音引吭高歌，有的时候则要一个中音将歌词用“说”的(talking on pitch)说给观众听，所需要的声音表情、发声技巧都不尽相同。这就要求演员们必须根据自己的风格（Style）与特长，准确地适应和把握剧中不同人物的个性，以便完美地呈现角色。一位舞蹈专长的演员，可以去担任剧中舞蹈水平要求高的角色，如歌舞演员弗雷德·亚斯当尔；一位唱功较好的演员，可以出任剧中声乐水平要求很高的角色，如唱歌机器艾索尔·摩曼。所有这些，本质上都是要求演员的表演不能脱离创作团队为人物设定的戏剧情境。这同时也要求每个演员应该有自知之明，对自己的歌舞能力和风格有正确的评估。
尊重“个性化”与“风格化”，不是过分地强调自我、唯我独尊，而是要求在戏剧情境范围内找准自己的定位与风格，认清自己的优势和劣势，找准自己的合适点并成为“适者”，这是对“适者演绎”、“适者对位”和“适者生存”的重新诠释。每个演员必须首先明白“我是谁”，再一个萝卜一个坑，对号入座。用一句广告语来解释，就是只要你自己有能力，每部音乐剧“总有一款适合你”！
4、明星：不是霸权
音乐剧的美学思想核心是整合概念。这种整合美学认为，任何元素不再处于歌舞叙事中心的位置，而只是歌舞叙事系统中的一个因子；整体对于部分来说永远具有叙事逻辑上压倒一切的重要性。在任何戏剧情境里，一种元素的本质就其本身而言是没有任何意义的，它的意义事实上由它和既定戏剧情境中的其他因素之间的关系所决定。所以，明星如不作为戏剧性来理解，如不与人物性格、唱词和跳舞有着维持戏剧流动的关系，其重要意义就不可能得以显示。从这个意义上讲，音乐剧不需要明星，因为它是催生明星的。
正如“美国戏剧音乐之父”科恩认为的那样：歌者的歌喉好与不好不是他关心的重点，愈是讲究“声乐表演”的艺人，都可能阻扰作曲家直接用音乐与观众进行的亲密沟通，所以，他不需要一流名嘴唱匠加入剧组，表演他的歌曲；创作者的职责是将一个动人的故事、一个充满活力的角色、一个引人入胜的戏剧情境，溶化在音乐的旋律和节奏之中，再由唱词作者将之用诗化的语言抒写出来，好听的声音并不是他们创作的目的，而只是附加价值，所以，演员能否忠诚地传达歌曲的意境与情怀，才是他更为重视的关键所在。
总之，演员的修炼是人类演艺事业中一个奥妙无穷的领域，成仙成道，修成正果，返本归真。一个优秀的音乐剧演员不是老师教出来的，而是靠你们自己认真观察生活、体验生活、热爱生活，从生活中领悟生活逻辑、行为逻辑，再把戏剧中的人物命运过程，通过歌舞叙事的形式，当着观众的面，完成“角色塑造”的全过程。也就是说：生活就是你们的老师，你们自己就是自己的老师。
中的地位也越来越重要。最开始白人模仿黑人表演的“明斯特里秀”，使黑人舞蹈进入了百老汇；“拉格泰姆时代”舞厅的增多又使得舞厅舞蹈出现在音乐剧的舞台上；20年代以后，以大腿舞和踢踏舞为主，音乐剧的舞蹈受到美国爵士舞、摇摆舞、踢踏舞、迪斯科等流行舞蹈的影响，也受到了
巨大的枝形吊灯从地面拉到顶空，使观众跟着剧中人的思绪在巨大的吊灯下回到了从前；在《西贡小姐》一剧中，为了达到真实的舞台效果，在描写西贡最后的撤退时，甚至让一架直升机从观众的头上缓缓降落到舞台上空，巨大的噪声，将剧情中的混乱、绝望直接传达给了观众，揪人心肺；在音
配角地位，而是上升到主角的地位。直接表达人物的情感，诠释人物的性格。在《演艺船》中，从“老人河”、“遐想”到“情不自禁爱上他”到“我为什么爱上了你”，每首歌曲都是主人公在一定情景下的情